The line drawings and geometric forms traced by Karshan become the trajectories of points set in motion by both physical and psychological forces, harnessed by a natural measuring instrument – her body itself

By Roberta Semeraro

Almost ten years after the Italian city of L’Aquila and its surrounding towns were struck by a devastating earthquake, they are being reborn from the ruins.

Careful rebuilding and restoration work carried out by the Office of Archaeological, Artistic and Environmental Heritage of L’Aquila and the Municipalities of the Impact Zone, national and international collaborations and solidarity initiatives including Nove artisti per la ricostruzione (Nine Artists for Reconstruction), and not least the dedication of the region’s citizens and institutions have transformed L’Aquila into a city reborn. Now it seeks to launch itself into the future, repopulating its abandoned spaces and bringing life back into the city.

In November of 2018, a delegation from L’Aquila traveled to Venice for an event at the Ateneo Veneto on the occasion of the conference Venice-L’Aquila: A Cultural Bridge of Solidarity and the presentation of the book Rebuilding with Art. It was there that the committee from the L’Aquila branch of ANCE Giovani (the Italian National Association of Young Contractors and Builders) identified the need for L’Aquila to bring both national and international attention to its own prestigious universities, restoring the reputation as important centers of research and study that they enjoyed before the earthquake.

As both a concrete response to that need and an ideal complement to Beverly Pepper’s open-air theatrical projects created for the Parco del Sole, the Nine Artists for Reconstruction initiative has focused its attention on the British-American artist Linda Karshan, whose exceptional cultural reputation has led her work to be closely followed by the most prestigious museums and academies in Europe, including the British Museum in London.

In 2018, Karshan’s exhibit Art, Architecture and Sacred Geometry in Conversation was displayed at the Abbey of San Giorgio Maggiore in Venice
for the Architecture Biennale. The artist was inspired by Greek philosophy – particularly
 Plato, whose Timaeus connects the world in all its manifestations to the orderly numerical harmony of mathematics.

Karshan has distinguished herself in the art world for her personal and original artistic language, expressed through a universal technique, in which drawing becomes an act of sculpture achieved through discipline, practice and profound concentration, observing the rhythms of her breath and in complete balance with her body. Her exhibition at San Giorgio Maggiore emphasized the extreme precision and natural simplicity of her drawings, an elegance that strongly recalls the illuminations of sacred manuscripts painted by medieval scribes, or the geometric motifs carved by skilled artisans found in Gothic architecture.

Building on the premise that the Mind that gives form to the universe is manifest in all that exists and most of all in the proportions of the human body (Leonardo’s Vitruvian Man), the artist reveals the pure essence of things in her work.

To reach this kind of technical trance state, the mind must be fully alert to capture every precise intuition suggested for the drawing through the rhythm of the breath and the balance of the body. In this case it is more of a psychophysical equilibrium, a balancing of factors endogenic and exogenic to the organism. As Karshan shows us, balance is a concept in constant flux: Galen, the physician and philosopher best known for having treated the Roman emperor Marcus Aurelius, was the first to say that the human body is never perfectly still, but rather is subject to constant small vibrations.

Karshan performs a short sequence of steps she calls her “inner choreography”: following the rhythm of her breath, she raises her left leg and leans on her drawing table with her left arm. Reaching out with her right arm extended, she draws, her pencil held in line with her hand. Once a line is drawn from the top of the paper towards the bottom, she pauses briefly and then redraws the line over from bottom to top, or turns the paper counterclockwise and, again following her breath, repeats her sequence of movements. Kandinsky said that “the […]line is the track made by a moving point; that is, its product. It is created by movement.”’

The line drawings and geometric forms traced by Karshan become the trajectories of points set in motion by both physical and psychological forces, harnessed by a natural measuring instrument – her body itself.


In the 1990s, working in total silence in her London studio, Karshan discovered that the sound produced by her pencil as it moved across the paper helped her with her drawing process, giving her another indication to follow along with the rhythm of her breath. It’s no coincidence that Joseph Beuys exhorted: “Listen; just listen. Listening to the sound is a sculptural act. The ear is the genuine sense of sculpture.”

In 2008 filmmaker Candida Richardson, interested in the origins of abstract drawing and the ways in which a drawing takes shape by allowing the artist’s subconscious mind to take over, filmed Movements And Their Images in Linda Karshan’s studio, recording the artist as she drew. Karshan and Richardson then decided to collaborate on SOUNDINGS (Cat. #2-7) (inspiration for the title came as a suggested translation for Michel Eyquem de Montaigne’s Essais, a large and wide-ranging collection of the author’s thoughts, written without following a pre-established structure.)

Starting on October 10, 2014, using highly sophisticated sound equipment, Richardson recorded the artist in her studio as she created six drawings. Linda Karshan recalls: “On this day…the lines to be drawn were first very long, then shorter, then finally brief. These last were as if PUNCTUATED, drawn with vigor and also great speed. Thus the variety of lines gave TEXTURE to the piece, combined with the SOUNDS of my work – the drawing of the lines, FOOTFALLS or FOOT-TAPPING; the SWISHING round of the paper and the SLAM of the studio door. These sounds, taken together, are an account of the work. Six drawings resulted from SOUNDINGS. The first two were ‘preludes’; they established the GRID. Number 3 was The one, fully drawn on THE DAY, while the ‘stages were set’ for 4, 5 + 6. These last were fleshed out over four successive days, progressing, as they would, towards the ‘rounds.’The ‘rounds’ followed, as if by necessity; 1⁄4 circle, turn; 1⁄4 circle, turn; 1⁄4 circle, turn; 1⁄4 circle, turn: four 1⁄4 circle GROUPS; 8 arcs per quarter: 32 arcs per round.”

Listening to the recording of these sounds,
 the mind’s eye perceives a vivid, almost three- dimensional representation of this unique choreography in which the pencil dances across the page, led through its steps by the artist.


The Greek cross frequently appears among the geometric figures in Karshan’s drawings, often seen as an archetypal representation of the balance between heaven and earth in the cosmic sphere. The piece the artist has chosen to dedicate to the city of L’Aquila and its surroundings is that very image.

The details of Karshan’s Greek Cross ( The Crux Quadrata) for L’Aquila (Cat. #1) recall not only the Gothic façade of the church of Santa Maria in Collemaggio, but also the legends of the Knights Templar linked to that splendid basilica.

In 2017, Mattias Bärmann described the meaning of the Greek cross in correspondence with Karshan: “It is the balanced evocation of the relationship between heaven and earth, male and female, the human being and God, the passage of time and the present moment. Architecturally it focuses on the center, the opposite of the nave basilica. It connects the four cardinal directions and represents the four seasons. If you trace around it, a circle appears. It is the simplest and most ancient depiction of the cross, the cross of early Christianity, Eastern Christianity and the Knights Templar. The crux quadrata. Its shape is devoid of spirit, alignment, teleology or progress: it is simply there, it simply is what it is.”


Karshan has conceived a site-specific work for the library of the Palazzo dell’Emiciclo: a tower built of books. The piece is to be realized in collaboration with students from local universities, using books from the artist’s personal library and materials sourced from L’Aquila and the surrounding Abruzzo region. In this tower, which symbolizes areté (the attainment of wisdom), the books will be balanced precariously atop one another to illustrate the fragility of culture, which can collapse at any moment if not solidly rooted. But the artist shows that building with wisdom can shape the destiny of all humankind; most of all it must be constructed on a solid foundation, with materials of the highest quality and excellent technique. Thus, the artist has chosen to place texts that were the foundation of her artistic studies at the base of the tower: Modern European Civilization; Western Intellectual ought; and L’Art Roman.

She then continues with the principal texts that have shaped her work: Piero della Francesca; Andrea Palladio’s Quattro libri dell’architettura (a gift to the artist from Candida Richardson’s father); Martin Kemp’s Leonardo; Leonardo’s own Treatise on Painting; Samuel Beckett’s Reader; Dante and The City of Florence by R.W.B. Lewis; Needs, Values and Truth by David Wiggins; Penser Dieu by Anca Vasiliu; The Marriage of Cadmus and Harmony by Roberto Calasso; The Library of Babel by Jorge Luis Borges; two issues of Lapham’s Quarterly on the themes of “Discovery” and “States of Mind”; Ethics, Ten Lectures by David Wiggins; three books by Anne Carson: My Name is Red, Red Doc, and Plainwater (the latter gifted to the artist by the director of the British Museum on the occasion of her exhibition Equilibrio); Watermark by Joseph Brodsky (a gift to the artist from her son omas during her stay in Venice for the opening of her exhibition); one of the artist’s own texts; Time, a collection of philosophical essays given to the artist many years ago by her son; her copy of the works of Plato; a book on Euclid; and Six Memos for the Next Millennium by Italo Calvino.

Finally, on top of the finished tower, the artist plans to place her Toluca iron meteorite from Xiquipilio in Mexico, next to a Morasko meteorite that belonged to her late husband Howard. The relationship between the two meteorites recalls the duality and union of opposites in the Greek cross, and therefore also the masculine contrasted and united with the feminine.

The Toluca meteorite was given to the artist 
for her sixtieth birthday by Mattias Bärmann, a German curator, writer and editor, and expert in the relationships among traditional Asian artistic techniques, science and philosophy in modern and contemporary art. The artist first saw the meteorite at Bärmann’s home in Bavaria, and was immediately fascinated by the curious geometric patterns on its surface known as Widmanstätten structures. But what struck her even more were the circumstances of its origin, as it had formed in zero gravity. And so she asked Bärmann if she could have one to display alongside her drawings, so viewers could see its similarity to her drawings in person, and understand that her work aspires to a dimension where the force of gravity is no more.

Article by Roberta Semeraro Translated from the Italian by Mara Gerety



I modelli di segni e le forme geometriche tracciate da Karshan, diventano le traiettorie delle forze fisiche e psichiche controllate da uno strumento naturale di misurazione, che è appunto il suo corpo

di Roberta Semeraro

Dopo circa dieci anni dal terremoto, grazie ai lavori di restauro sapientemente condotti dalla Soprintendenza per l’Archeologia, Belle Arti e Paesaggio per la città dell’Aquila e i Comuni del Cratere, a progetti nazionali e internazionali di cooperazione e solidarietà come Nove artisti per la ricostruzione, e non ultimo all’impegno delle istituzioni del territorio e dei suoi cittadini, L’Aquila sta rinascendo dalla macerie come una nuova città che sente l’esigenza di ripopolare i luoghi e farli rivivere, proiettandoli verso il futuro.

Dall’incontro avvenuto a novembre 2018 con la delegazione dell’Aquila all’Ateneo Veneto di Venezia, in occasione della conferenza Venezia- L’Aquila, un ponte culturale di solidarietà e della presentazione del libro Ricostruire con l’arte, è emersa l’esigenza da parte del comitato ANCE giovani L’Aquila, di attirare l’attenzione del pubblico nazionale ed internazionale, sui prestigiosi Atenei della città con il fine di riportarli ad essere quegli importanti centri di studi che erano prima del sisma.

Come risposta concreta a questa necessità e come ideale completamento del teatro all’aperto di Beverly Pepper per Parco del Sole, il progetto Nove artisti per la ricostruzione ha focalizzato la sua attenzione sull’artista anglo americana Linda Karshan il cui lavoro, per il suo alto profilo culturale, è seguito dalle accademie e dai musei più accreditati d’Europa tra i quali il British Museum di Londra.

Karshan quest’anno è stata ospite con la mostra intitolata Art, Architecture and Sacred Geometry in Conversation, nell’Abbazia di San Giorgio Maggiore a Venezia durante la Biennale di Architettura 2018. Il pensiero dell’artista s’ispira alla filosofia greca e in particolare a Platone, quando nel Timaiòs rapporta il mondo (in ogni manifestazione), all’ordine numerico della matematica.

Karshan si è distinta nel panorama dell’arte grazie al suo personale e originale linguaggio artistico elaborato con una tecnica universale, nella quale il disegno diventa un atto scultoreo, che si ottiene con disciplina, esercizio e profonda concentrazione contando il ritmo del proprio respiro e in totale equilibrio con il corpo. Come è stato evidenziato nella mostra di San Giorgio Maggiore, i suoi disegni ricordano moltissimo per la loro estrema precisione e naturalezza, le miniature degli amanuensi nei libri sacri e i motivi geometrici delle architetture gotiche fatte a mano dagli artigiani.

Partendo dal presupposto che la mente ordinatrice del mondo si manifesta in tutte le cose ed in primis nelle proporzioni del corpo umano (l’uomo vitruviano di Leonardo), l’artista rivela nei suoi disegni l’essenza pura delle cose.

Per raggiungere questa sorta di trance tecnico, è necessario che la mente sia all’erta per poter cogliere l’intuizione esatta del disegno suggerita dal ritmo del respiro e dall’equilibrio raggiunto del corpo.

In questo caso si tratta più di un equilibrio psicofisico, poiché è un bilanciamento tra fattori endogeni ed esogeni all’organismo. Come insegna Karshan, l’equilibrio è un concetto in continuo divenire: Galeno, medico e filosofo noto anche per aver prestato le sue cure all’imperatore Marco Aurelio, fu il primo ad affermare che il corpo umano non è mai perfettamente statico tant’è che è soggetto continuamente a piccoli tremori.


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Karshan con una piccola coreografia di passi che chiama appunto la sua coreografia interna, in quanto segue il ritmo del suo respiro, solleva la gamba sinistra appoggiandosi al tavolo da disegno sulla stessa mano sinistra, e allungando il braccio destro in avanti disegna tenendo la matita in asse alla mano come se fosse un suo prolungamento. Una volta tracciato il segno, dall’alto del foglio verso il basso, si ferma per un breve intervallo e rimarca il segno dal basso verso l’alto o gira il foglio in senso antiorario e contando nuovamente i suoi respiri, ripete i movimenti descritti. Kandinskij affermava che le linee non sono altro che le proiezioni dinamiche di punti messi in moto da differenti forze e in diverse direzioni.

I modelli di segni e le forme geometriche tracciate da Karshan, diventano le traiettorie delle forze fisiche e psichiche controllate da uno strumento naturale di misurazione, che è appunto il suo corpo.


Lavorando nell’assoluto silenzio del suo studio di Londra, Karshan intorno agli anni ‘90 scoprì che il suono prodotto dal movimento della matita che scorreva sul foglio, l’aiutava nell’esecuzione del disegno dandole un’ulteriore traccia rispetto al ritmo della respirazione. Non a caso Joseph Beuys esortava ad ascoltare e basta, poiché “l’ascolto del suono è un atto scultoreo. L’orecchio è il vero senso della scultura.”

Nel 2008 la film maker Candida Richardson interessata alla genesi del disegno astratto e a come il disegno astratto si forma permettendo alla mente inconscia dell’artista di prendere il sopravvento, realizzò nello studio di Karshan il film Movements and Their Images dove riprendeva l’artista mentre disegnava. Fu allora che Linda e Candida decisero di sperimentare insieme SOUNDINGS (Cat. #2-7) (che prende ispirazione per il titolo dall’opera Essais di Michel Eyquem de Montaigne, un’ampia raccolta di brani di varia estensione, scritti senza seguire un progetto prestabilito).

A partire dal 10 ottobre 2014 Richardson con apparecchi acustici molto sofisticati, registrò nello studio dell’artista l’esecuzione di sei disegni. Linda Karshan ricorda: “In quel giorno le linee da tracciare erano prima molto lunghe, poi più corte, poi brevi. Queste ultime erano come punteggiate, disegnate con vigore e anche con grande velocità. Così la varietà di linee ha dato consistenza al pezzo, combinato con i passi e la porta del mio studio che sbatteva. Questi sei disegni hanno dato origine a sondaggi. I primi due erano preludi; quindi stabilivano la griglia. Il numero 3 fu quello, completamente disegnato in quello stesso giorno mentre gli stadi successivi venivano fissati per il 4, 5 e 6. Questi ultimi furono sviluppati i giorni successivi, progredendo secondo i turni. I turni seguirono, come per necessità; 1⁄4 cerchio, giro, 1⁄4 cerchio giro, 1⁄4 cerchio giro, 1⁄4 cerchio, giro. Infine furono 8 archi di quarto e 32 archi per turno.”

Ascoltando la registrazione di questi suoni si ha la rappresentazione plastica di questa speciale coreografia, nella quale la matita danza condotta nei suoi passi dall’artista.


Nelle figure geometriche dei disegni di Karshan, compare ripetutamente la croce greca come forma archetipo, dell’equilibrio tra la terra e il cielo nel cerchio cosmico. Ed è proprio questo disegno che l’artista ha voluto dedicare alla città dell’Aquila e al suo territorio.

Il disegno della Croce Greca (Crux Quadrata) per L’Aquila (Cat. #1) rimanda non solo alla decorazione della facciata gotica di Santa Maria a Collemaggio, ma anche alla leggendaria tradizione dei cavalieri templari alla quale è legata la splendida Basilica.

Nel 2017, Mattias Bärmann ha descritto il significato della croce Greca in rapporto a LK: “È l’evocazione equilibrata del rapporto tra cielo e terra, maschio e femmina, esseri umani e Dio, tempo che procede e tempo momentaneo. Nell’architettura, è orientata al centro, all’opposto della basilica a navate. Collega i quattro punti cardinali e rappresenta le quattro stagioni. Se circoscritta, ne emerge un cerchio. È la forma più antica e semplice della croce, la croce del primo cristianesimo, del cristianesimo orientale, la croce dei Templari. La crux quadrata. La sua forma è priva di anima, di allineamento, di teleologia, di progresso: è semplicemente lì, semplicemente ciò che è.”


La scultura di libri a forma di torre che Linda Karshan ha ideato per la biblioteca di Palazzo dell’Emiciclo è un’opera site specific realizzata con l’aiuto degli studenti degli Atenei dell’Aquila, utilizzando materiali della library personale dell’artista e materiali di provenienza del territorio dell’Aquila e dell’Abruzzo. In questa torre che simboleggia l’areté (il raggiungimento della saggezza), i libri sono sovrapposti tra loro e in un precario equilibrio, per restituire quell’idea di fragilità della cultura che se non è ben fondata può crollare da un momento all’altro. Ma l’artista insegna che costruire con saggezza, può essere determinante per il destino di tutta l’umanità. Innanzittutto bisogna avere solide basi, materiali di prima qualità e un’ottima tecnica. Ed è per questo che sceglie di mettere alla base della torre i testi che sono alla base dei suoi studi di artista: Modern European Civilization; Western Intellectual Thought; e L’Art Roman.

Per poi proseguire con i testi principali che hanno formato il suo lavoro; I quattro libri dell’architettura di Andrea Palladio (donatole dal padre di Candida Richardson); Piero della Francesca, Leonardo e Il trattato sulla pittura di Martin Kemp; Samuel Beckett’s Reader; Dante, La città di Firenze di R.W.B Lewis; Needs, Values, Truth di David Wiggins; Penser Dieu di Anca Vasiliu; Eudaemonia di Aristotele; The Marriage of Cadmus, Harmony di Roberto Calasso; The Library of Babel di Borges; 2 saggi di Lapham’s Quarterly on the topics of “Discovery”, “States of Mind”; Ethics, 10 Lectures di David Wiggins; Il mio nome è Rosso, Red Doc, Plainwater di Anne Carson (i tre libri sono stati donati all’artista dal direttore del British Museum in occasione della mostra a San Giorgio a Venezia), Watermark di Joseph Brodsky (donatole dal figlio Thomas durante il soggiorno veneziano per l’inaugurazione della mostra); un testo scritto da lei e Time: una collezione di testi di filosofia sul tema del tempo (regalatole molti anni fa da suo figlio) e il suo Platone, un libro su Euclide e Six Memos for the Next Millenium di Italo Calvino.

Infine in cima alla torre, l’artista ha previsto di collocare il suo meteorite di ferro Toluca proveniente da Xiquipilio in Messico, accanto al meteorite Morasko di suo marito Howard. L’associazione tra i due meteoriti richiama la dualità e unità degli opposti nella croce greca, quindi il maschile contrapposto e unito al femminile.

Il meteorite Toluca le fu donato per il suo sessantesimo compleanno, da Mattias Barmann curatore, autore ed editore tedesco esperto nell’arte moderna e contemporanea dei rapporti tra le tecniche tradizionali della cultura asiatica e le scienze e la filosofia. L’artista lo vide per la prima volta a casa di Barmann in Bavaria, e ne fu subito attratta per via delle superfici che recano figure di Widmanstatten (particolari motivi geometrici). Quello che la colpì di più fu proprio la condizione delle sue origini, poiché si era formato a gravità zero. Così domandò a Barmann di averne un esemplare da esporre insieme ai suoi disegni affinché i visitatori cogliessero a prima vista la similitudine con i suoi disegni e comprendessero che il suo lavoro aspira ad una dimensione dove non c’è più nessuna forza di gravità.